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Ci sarà sempre un grande dibattito su quale sia l’era migliore per il cinema. Per i miei due centesimi, dirò con grande sicurezza che il periodo migliore della storia del cinema sono stati gli anni '70.
C'è stata sicuramente una transizione durante questo decennio che ha visto proseguire il cinema della fine degli anni '60, fino alla nascita del blockbuster come lo conosciamo oggi.
Potremmo quasi dividere gli anni '70 in due categorie, anche se citerò anche delle sottocategorie come il periodo Blaxploitation. Da un lato, i registi cominciavano ad allontanarsi il più possibile dal tradizionale codice di produzione hollywoodiano.
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I confini furono superati e l’ottimismo fu sostituito da un lavoro profondamente pessimistico. Non tutto ha avuto un lieto fine. Le cose stavano diventando più oscure, riflettendo un periodo difficile nella storia sociale, mentre passavamo dall’era dei diritti civili a quella di Nixon, del Vietnam e della lotta economica in tutto l’Occidente. Alla fine si passerebbe dalle tensioni in Estremo Oriente a quelle con la Russia.
L’ultima guerra mondiale era ancora relativamente recente e i violenti conflitti della fine degli anni ’60 e il senso di disagio che li accompagnava hanno reso questo periodo un periodo preoccupante e inquietante nella storia sociale. Come per tutte le cose, questo si riflette nel cinema.
Questo a volte può funzionare in diversi modi. C'è una tendenza verso il cinema socialmente riflessivo o più verso il cinema d'evasione e verso la fine degli anni '70 abbiamo assistito al passaggio dal primo al secondo.
All'inizio degli anni '70, questi film più coraggiosi e una nuova ondata di registi freschi e rinvigorenti, come Francis Ford Coppola e Martin Scorsese per esempio, offrivano una selezione di film spesso austera ma elegante.
Allo stesso modo, un gruppo di attori (e attrici) eccezionalmente promettenti come Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep e Harvey Keitel inizierebbero ad aprire la strada alla sostituzione delle star più atipiche di Hollywood. stampo di Cary Grant ecc. Avrebbero continuato a tracciare un percorso che qualcuno come Marlon Brando aveva iniziato a tracciare.
L’approccio metodologico diventerà molto più comune in questa era e stabilirà fermamente un approccio audace e coraggioso che i futuri giocatori potranno adottare. Allo stesso modo, nella commedia, le buffonate fisiche di Jerry Lewis sono state sostituite dalle riflessioni nevrotiche di registi come Woody Allen e Albert Brooks . Ciò che più recentemente conosciamo come mumblecore, si ispira fortemente alle opere di Allen ecc.
Senza entrare troppo nei dettagli su come funzionavano questi film, perché ogni film che potrei nominare vale da solo un libro di teoria, è ovvio che la quantità di cinema classico uscito da questo decennio è sconcertante.
Sì, sarebbe fin troppo facile puntare il dito solo contro due padrini e chiamarli l'apice del cinema. Sono senza dubbio dei capolavori. Sappiamo perché. Quindi li eviterò. La loro reputazione li precede.
Restando con Coppola, parlerò un po' di un classico esempio di film che incarna perfettamente l'approccio al cinema degli anni '70. Era attuale, stimolante e oscuro. È stato anche l'esempio di uno dei film più sfortunatamente inseriti nel curriculum di un regista della storia.
Questo film non potrebbe essere posizionato peggio di quanto non fosse, poiché il posizionamento stesso ha visto il film risucchiato in un buco nero. È stato completamente oscurato da ciò che lo ha preceduto e seguito.
Questa è La conversazione, il film minimalista, semplice ed essenziale inserito tra i primi due grandiosi film di Coppola, Il Padrino. Di per sé, The Conversation è un film brillante. È un capolavoro. Coinvolgente, intelligente, scritto eccezionalmente e in un modo strano sembra un ripensamento. Sembra che stia riempiendo il tempo.
Colma un divario tra le epopee di gangster. Da ogni scenografia costosa ed elaborata, dalla messa in scena e dal montaggio de Il Padrino, all'inquadratura meravigliosamente semplice e all'immobilità di The Conversation.
Questo film merita di essere nella top 100. Ok, forse non avrà il design iconico dell'eccezionale duo di gangster di Coppola (non menzioneremo la terza parte), ma Gene Hackman regala una delle sue performance più introspettive ed efficaci, in un film con un sound design squisito e una rappresentazione emozionante di un esaurimento nervoso dovuto alla paranoia.
Non potrò sottolineare abbastanza per coloro che se lo sono perso, ma devi assolutamente guardare The Conversation.
Coppola concluderà il decennio con un'epopea di guerra tentacolare che, stilisticamente, è l'antitesi dell'approccio diretto utilizzato nel già citato di Hackman
Apocalypse Now è stata una prova tortuosa da affrontare. È quasi costato la vita a Martin Sheen. Coppola ha adottato un approccio perfezionista a questo. Ogni immagine di ogni scena è arte. È un film straordinario con immagini sorprendenti che giocano magnificamente con il cupo orrore di ciò che in realtà descrive.
Tutto, dai set vasti e visivamente abbaglianti all'intimità della performance inquietante ma intensamente coinvolgente di Marlon Brando, è un'opera geniale che definisce il genere.
Se c'è una cosa che incarna perfettamente lo standard degli anni '70 rispetto al resto, è il CV di Coppola. Ha fatto un ottimo lavoro nel corso degli anni '80 (adoro Rumble Fish), ma niente a che vedere con la saga di Corleone, il suo epico Nam o addirittura The Conversation.
Scorsese si imbarcò in Mean Streets, un film di gangster crudo ed elegante che mostrava una rappresentazione molto meno romantica e moderna (all'epoca) delle... beh... cattive strade.
Gli anni '70 furono un periodo di Scorsese crudo e sperimentale. Il grande momento stava arrivando e, in una certa misura, quella vivacità nervosa e creativa che aveva raggiunto il suo apice alla fine del decennio con Raging Bull.
All'inizio degli anni '80 aveva perfezionato la sua arte e in dieci anni avrebbe diretto un capolavoro in Quei bravi ragazzi . Tuttavia, uno dei suoi film più eleganti e introspettivi è Taxi Driver .
È un regista in ascesa, pieno di nuove idee, audace e istintivo. De Niro era affascinante. Quasi il 90% di ciò che rende la sua performance così accattivante è interiore. Travis Bickle attira il pubblico, richiedendo la nostra attenzione e interpretazione.
Il film è diverso da qualsiasi cosa Scorsese abbia fatto da allora. Alla fine è stato anche tempestivo. Era un film atipico degli anni '70 e le rappresentazioni romantiche di New York sono in gran parte scomparse, sostituite da film come Taxi Driver. Vedi anche LA, Chicago e San Francisco. I realizzatori ora hanno mostrato cosa è successo dietro le quinte.
Anche in un film d'epoca, tutto era molto moderno. Chinatown, ad esempio, suonava come un vecchio albero della gomma nera, ma tutto in essa gocciolava (brillantemente) nel pessimismo degli anni '70.
Quest'epoca non riguardava solo bagliori e capelli voluminosi, tutt'altro, e certamente non dal punto di vista cinematografico. Jack Nicholson si stava saldamente affermando nella new wave, mentre come regista Roman Polanski cominciava a farsi un nome fuori dall'Europa (e prima ancora per qualcosa di meno gustoso).
Il film, che come potete vedere è un ottimo esempio di sceneggiatura (di Robert Towne), è innegabilmente sinistro e non si tira indietro davanti a tutto ciò che descrive, che si tratti di corruzione aziendale, polizia o stupro incestuoso.
Quando le immortali parole finali, " È Chinatown ", vengono pronunciate dopo uno dei finali più oscuri e commoventi del cinema, lo spettatore viene spezzato, ma la presa, quello stato di visione accattivante e appassionato, viene allentato. Chinatown, come gran parte del cinema di quell'epoca, resta con te.
Puoi guardare un'intera gamma di film difficili, oscuri e potenti dell'epoca, dal grande budget al basso budget. The French Connection, Marathon Man , la magnificamente cruda e viscerale Badlands.
Allo stesso modo, quando si vede un film come All The Presidents Men , si vede che i realizzatori non hanno paura della storia immediata. Hanno affrontato il qui e ora, senza lasciare che le ferite guarissero prima.
Quindi c'è un gruppo di astri nascenti e registi che sono pionieri di stili nuovi e rinvigorenti. Ma nel frattempo star e registi affermati continuavano a lavorare.
Brando , che riscrisse le regole del gioco negli anni '50, produceva ancora spettacoli iconici per Coppola. Sidney Lumet , un regista che ispirò molti registi emergenti degli anni '70 (tra cui FFC e Scorsese), stava ancora producendo alcuni dei suoi film migliori, come Pomeriggio di un giorno da cani e Serpico (che non fecero scalpore nelle loro rappresentazioni di disordini sociali e corruzione istituzionale).
Questa era è stata anche un periodo chiave per il cinema di sfruttamento. Registi come Michael Winner (Death Wish) e Abel Ferrara stanno entrando nell'arena. Il loro cinema era sciatto, un po’ trash, ma stranamente perspicace.
Tra i detriti di Death Wish ci sono alcuni commenti sociali rivelatori. Non parla solo dell'ambientazione cittadina di American City, ma anche della società occidentale nel suo insieme in quel momento. Questo è un film che potrebbe facilmente essere girato e ambientato a Londra.
In effetti, se si guarda al mondo oscuro e meditabondo di Get Carter (Mike Hodges), gli inglesi sembravano certamente volersi allontanare dalle rappresentazioni romantiche della vita cittadina. Se figure come Coppola facessero a pezzi il tradizionalismo, come forme di ripresa rigide, illuminazione a tre punti, ecc. Inoltre, senza motivo, hanno oltrepassato i limiti della commissione di valutazione.
Era un periodo in cui i film pornografici erano molto comuni. Il codice di produzione di Hollywood era in fiamme. Tutti spingevano i livelli del gusto e della decenza e tentavano la fortuna. Gola profonda, Debbie Does Dallas e altri.
Allo stesso tempo, abbiamo assistito a un forte movimento nero con l’ascesa del cinema . All'improvviso stava emergendo una popolazione che prima non era stata presa in considerazione.
Naturalmente, il movimento per i diritti civili ha contribuito a questo. Non era solo il pubblico standard atipico (spesso considerato da Hollywood come uomini bianchi e, al massimo, donne bianche) a chiedere un cinema più realistico e più crudo, c'era anche un pubblico minoritario che chiedeva qualcosa per se stesso.
Mentre Pacino e De Niro ecc. stavano facendo le loro cose (con le loro distinte identità italo-americane), abbiamo visto star come Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier e Jim Killy recitare in una raccolta di film di sfruttamento alla moda, cool e pieni di attitudine.
Che si trattasse di Shaft , Coffy o Foxy Brown , questi film non erano del tutto realistici. Erano fondamentalmente film di fumetti con un tocco trash al limone.
In un certo senso, questi film erano un modo per aggirare la tradizione e persino la New Wave di Hollywood (che aveva cominciato a presentare spesso personaggi neri come parte di bande criminali, ecc.)
Ciò che tutto ciò dimostra è quanto il cinema americano e britannico fossero meravigliosamente eclettici. Allo stesso tempo, c’era molto cinema sperimentale.
Le persone si stavano allontanando dai sistemi da studio. Un collettivo di diplomati delle scuole di cinema realizzava i propri film a basso budget e cercava trampolini di lancio per opere più grandi (Scorsese, Ferrara, FFC, ecc.).
Personaggi come Terrence Malick o John Cassavetes erano molto insoliti nel loro approccio stilistico e nel modo in cui raccontavano le storie. Cassavetes, in particolare, aveva uno stile molto grezzo, ma c'era una verità evidente in tutto ciò che faceva.
Naturalmente il cinema interessante non si limitava solo all'Occidente. Ma in una certa misura sta semplicemente recuperando terreno rispetto a ciò che il cinema orientale e quello europeo hanno già fatto.
Nel frattempo, nonostante le tensioni, il cinema dell'Europa orientale cominciava ad attirare l'attenzione negli Stati Uniti. In effetti, l'apprezzamento dello spettatore nei confronti del cinema mondiale sta diventando sempre più percettivo e aperto a influenze più ampie.
Andrei Tarkovsky ha fuso magnificamente l'arte e l'estetica della fotografia con l'immagine in movimento. Ha aperto la strada a un gruppo di registi russi e dell'Europa dell'Est. Il cinema francese aveva già conquistato gran parte del gruppo; Il cinema americano era ormai, alla fine degli anni Cinquanta, ben inoltrato negli anni Sessanta, mentre sperimentatori come Godard continuavano a lavorare solidamente.
Come ho detto, potrei dedicare interi articoli a ciascuna persona citata, ma non sono sicuro che Internet abbia la capacità di archiviazione per le mie divagazioni. Anche i già citati Polanksi e Milos Forman avrebbero fatto il salto dai rispettivi paesi alla fama di Hollywood.
I film horror stavano rivoluzionando il loro stile. Raccolgono i semi gettati da personaggi come Hitchcock o Michael Powell (Peeping Tom). Gli approcci stilistici vengono spinti e i confini vengono spinti in termini di videosorveglianza, colori e montaggio.
Infine, le cose diventano sempre più oscure (sataniche), terrificanti o sanguinose. Abbiamo avuto L'Esorcista, Rosemary's Baby, Il Presagio e poi i film gialli che ci sono arrivati dall'Italia . Dario Argento , con film horror elettrizzanti come Profondo Rosso e Suspiria , un movimento di registi creativi, innovativi e senza esclusione di colpi.
Alla fine degli anni '70, John Carpenter arrivò e riscrisse le regole dello slasher, il che portò a una serie di imitazioni e franchise nel corso degli anni '80.
Come ho detto prima, le cose cominciarono gradualmente a diventare più chiare verso la fine del decennio, poiché il pubblico ora aveva bisogno di un po’ di evasione. All'improvviso abbiamo visto speranza e bontà.
Un po' di fantasia qua e là. Da Dirty Harry , Deliverance e Don't Look Now , a film come Rocky, Incontri ravvicinati del terzo tipo , Grease e, ovviamente, Star Wars . Oggi, i cineasti cercano sempre più di ottenere incassi al botteghino piuttosto che sfidare la coscienza intellettuale o sociale del pubblico.
Negli anni '80 c'era ancora un mix, ma il panorama stava decisamente cambiando verso il fantasy. Che si tratti di storie di outsider o di avventure spaziali. La realtà dell’era post-Nixon-Nam stava diventando difficile da assimilare. La gente voleva vedere la realtà, ma la viveva anche. Avevano bisogno di qualcosa di diverso.
In qualcuno come Rocky Balboa, ad esempio, mostrava una certa speranza. Che anche in quelle strade sporche per l'uomo comune c'era la possibilità che accadesse qualcosa di più grande.
larghezza di banda di Flickering Myth con molto altro, chiederò a entrambi quali sono i vostri film preferiti degli anni '70 e, in effetti, esiste un'era migliore per il cinema?
Basta cercare su Google un elenco di film degli anni '70 per vedere quale sia stata la produzione eccezionale (mondiale) di quel decennio. Non penso che possiamo superarla.
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